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di Romano Maria Levante

“Ieri e oggi. Due sindaci a confronto, Alemanno e Darida”. Questo l’invitante manifesto che ci ha indotto a recarci nel tardo pomeriggio dell’11 marzo 2009 al teatro San Raffaele nel quartiere del Trullo alla periferia di Roma, perché il confronto tra ieri e oggi non va lasciato soltanto allo spettacolo televisivo, nel quale abbondano le rivisitazioni in bianco e nero della giovane età dei personaggi.

C’è stato poi un altro motivo di interesse, la presenza di Paolo Gatti, neo assessore alla Pubblica Istruzione e al Lavoro della Regione Abruzzo, già assessore al Comune di Teramo, il più votato alle recenti elezioni regionali, e di Pasquale De Luca, l’attivo Consigliere comunale di Roma che ogni anno organizza nella Capitale un incontro all’insegna dell’“orgoglio teramano”. Poter toccare con mano il nesso tra Roma e l’Abruzzo, Teramo in particolare, nel contatto con tali autorevoli protagonisti ci è parsa un’occasione da non perdere.

E’ stato il consigliere De Luca, di cui conoscevamo l’ardente “teramanità”, che ha ricordato anche alla platea, a stupirci con la sua profonda “romanità”. Ha gestito l’incontro ripercorrendo la storia amministrativa della città, ma anche immergendosi nei problemi della gente del quartiere, situato all’estrema periferia non lontano da Corviale, la “casa lunga un chilometro” dell’“edilizia ideologica” dei primi anni ’70 che è stata evocata.

Il ieri di Corviale era un progetto ambizioso di socializzazione in un palazzo che al suo interno riproduceva un paese, i negozi e i servizi, la passeggiata e la vita associata; poi la cattiva frequentazione e il degrado hanno travolto le migliori intenzioni, l’oggi è sospeso nell’attesa di una migliore qualità della vita, c’è anche una Tv interna. Il ieri dell’Ara Pacis era un contenitore da rinnovare a misura dello scrigno prezioso, l’oggi è la teca smisurata di Mayer nella quale c’è di tutto e di più, che sovrasta lo scrigno e l’adiacente chiesetta. Il ieri del quartiere erano i presidi di sicurezza e socialità, l’oggi è la loro faticosa ricostituzione.

Il confronto tra i due sindaci di ieri e di oggi fa tornare indietro di quarant’anni, Alemanno lo è oggi, Darida lo è stato dal 1969 al 1976, in un’altra Roma e soprattutto in un altro mondo. Ed è un fatto culturale viverlo in un teatro esaurito, anche nei posti in piedi. Perché si percepiscono umori e passioni, timori e volontà, di un pubblico che partecipa, in testa a tutti la preoccupazione per la sicurezza e l’immigrazione.

La sicurezza

E’ stato sottolineato da Darida che anche nella sua sindacatura questo problema era preminente, ma nasceva dal terrorismo e quindi riguardava la politica e le istituzioni; inoltre era un portato della lotta violenta tra gli opposti estremismi, e ha ricordato con commozione gli episodi di sangue di quel periodo. Tornando ancora più indietro nel tempo, ha rivolto un commosso pensiero alla memoria del giovane democristiano romano, Gervasio Federici, pugnalato e ucciso dall’opposta parte politica tra l’11 e il 12ottobre del 1947, mentre attaccava manifesti all’Esquilino, come faceva anche il giovane Darida. Forse l’essere stato, per così dire, sfiorato dalla violenza politica lo ha portato, da Sindaco, a rendere omaggio alle vittime anche se si trattava di assumere posizioni scomode e isolate, come fu per la barbara uccisione dei fratelli Mattei, bruciati nella loro abitazione per un odio ideologico incontrollato.

Ma la gente comune, che non faceva attivismo politico, non si sentiva minacciata a differenza di oggi, anche se questo possa sembrare un paradosso, perché negli “anni di piombo” erano i politici, magistrati, forze dell’ordine, giornalisti a trovarsi sotto tiro. E poi vi erano le minacce internazionali, la guerra fredda che però non era avvertita sulla pelle di ciascuno.

Nonostante non ci sia più tutto questo, oggi l’insicurezza è diffusa, ne ha parlato Alemanno ricordando l’impegno a rimuoverne le cause più evidenti, come i campi abusivi e l’assenza di presidi adeguati sul territorio; l’annuncio del ripristino di una caserma dei carabinieri nel quartiere ha suscitato un’ovazione fragorosa, che ci ha sorpreso per la sua spontaneità e intensità.

L’immigrazione

Un altro fenomeno che ha connotati apparentemente comuni, ma effetti molto diversi, è quello dell’immigrazione. Roma all’inizio degli anni ’60 ha visto raddoppiare la popolazione da 1,5 a 3 milioni di abitanti, con cambiamenti radicali nel suo assetto. E’ stato come “avere addosso un’altra città” delle dimensioni di quella preesistente. Si trattava di immigrazione interna, l’esodo dal Sud non aveva come meta solo il Nord ma anche la Capitale, con i problemi conseguenti dati dalla crescita fuori controllo delle periferie e delle borgate dove si dovevano portare i servizi essenziali, che non si vedono quando ci sono, ha sottolineato Darida, ma si sente la loro necessità quando mancano. I problemi maggiori erano il lavoro e l’abitazione. Il sindaco di allora ha tenuto a sottolineare che, nonostante fosse della stessa parte politica, non ebbe dal governo nazionale il minimo aiuto, neppure per l’Anno Santo del 1975, anzi si prese i rimproveri del Vaticano “dati a nuora perché suocera intenda”; mentre nell’ultimo Anno Santo del 2000 l’impegno del governo a sostegno della Capitale è stato ingente. Ha detto che così si toglieva un altro “sassolino dalla scarpa”.

Nell’anno di Alemanno l’immigrazione è dall’estero con tutti i problemi connessi che rispetto all’emigrazione interna contemplano l’emergenza della sicurezza. L’impegno del Sindaco a garantire il rispetto delle regole e della legalità da parte degli immigrati, pena l’espulsione immediata di chi non è in regola, è stato osannato; e ha citato l’azione per eliminare entro il 2009 i campi nomadi abusivi e attrezzare aree di permanenza con i servizi, l’assistenza e una sorveglianza adeguata.

La politica e i cittadini

Ma l’aspetto che ha marcato forse di più la differenza tra ieri e oggi riguarda il personale politico nell’Amministrazione e nelle Istituzioni e il contatto con i cittadini e i loro problemi. Intanto ieri c’era una forte instabilità politica, le maggioranze erano risicate e ballerine con il passaggio dei socialisti da una parte all’altra, lo ha ricordato Darida la cui amministrazione cadde per questo motivo. Inoltre il Sindaco era impegnato con il Consiglio comunale molto di più di quanto avvenga oggi dopo le riforme che lo hanno alleggerito di compiti che aveva in precedenza.

C’era l’“assedio” dell’opposizione, non solo nelle aree consiliari ma nella Piazza del Campidoglio. Darida lo affrontava “uscendo dalle mura, andando tra la gente, ascoltando tutti, aprendosi al dialogo”. Spesso non si potevano esaudire le richieste, ma era importante conoscerle, e poi c’era da salire la scala della Banca d’Italia, una sorta di “scala santa” ha detto, dato che il Comune era “indebitato fino al collo”: “Roma la città del dialogo” fu il suo slogan. Ciò era possibile perché il personale politico “si era fatte le ossa” nel contatto con la gente sul territorio iniziando dai livelli inferiori e ascendendo gradatamente nel suo “cursus honorum”. Oggi questo non avviene, si bruciano le tappe e viene meno la gavetta; forse perché, abbiamo osservato, il professionismo politico ai pregi ha unito tanti difetti.

Nell’anno di Alemanno nulla di tutto questo. Le manifestazioni e delegazioni ci sono, ma il quadro politico è molto diverso. L’Amministrazione è stabile, per la legge elettorale che dà un vero potere al Sindaco non esposto agli umori del Consiglio, ci sono i Municipi che gestiscono il territorio, le mediazioni politiche sono ben diverse e meno defatiganti. Perciò il Sindaco ha potuto presentare con piglio decisionista la sua “strategia della sicurezza e della riqualificazione del territorio” come base per dare avvio a un “unico grande ciclo di sviluppo” con al centro la valorizzazione dell’identità romana ad ogni livello della città. Si deve “costruire il futuro risolvendo tutti i problemi del territorio, dalla sicurezza alla vivibilità fino all’arredo urbano, nella prospettiva dell’identità romana, nei valori degli individui, delle famiglie e dell’intera comunità”. Per concludere: “Ci si dovrà sentire a Roma anche nelle più lontane periferie”.

Una po’ d’Abruzzo

In tanta “romanità” ci siamo sentiti di chiedere un commento sul “ieri e oggi” al neo assessore regionale abruzzese Paolo Gatti. Il passaggio dall’assessorato al Comune di Teramo di ieri a quello della Regione Abruzzo di oggi ha rappresentato un salto da una realtà consolidata e sotto controllo a una situazione tutta da esplorare. Ma il primo problema emerso in modo prepotente è la situazione critica nei conti regionali, il bilancio è dissestato oltre il prevedibile. Il sovrapporsi della crisi generale a quella regionale aggrava ulteriormente il quadro d’insieme perché con l’indebitamento a livelli record e le entrate ridotte mancano le risorse quando ce n’è più bisogno.

L’assessore cita la linea del presidente Gianni Chiodi improntata al rigore e alla selettività nella spesa. Nel suo assessorato si sta concentrando sui problemi del lavoro e della formazione, una vera emergenza; ma può già dire che nell’istruzione la carenza di risorse si farà sentire. Gli ricordiamo gli sprechi dati dal moltiplicarsi di sedi universitarie distaccate in comuni anche piccoli, è un problema che ha ben presente, andrà risolto non più solo per scelta razionale ma anche per necessità; l’assessore non si nasconde comunque le difficoltà, fin da ora immagina le resistenze che dovrà affrontare.

Cerchiamo di introdurre una nota positiva sottolineando che tra i 161 “territori di eccellenza” individuati dal Censis nella ricerca presentata il 13 febbraio 2009, figura il Gran Sasso per ben due volte, tra le eccellenze nell’“accoglienza” e quelle “tecnologiche”, e la Val Vibrata di Teramo, insieme a Casoli, tra le eccellenze “produttive”. Anche qui l’assessore mostra il suo realismo: mentre il Gran Sasso, per la natura e il Laboratorio di fisica, non viene colpito dalla crisi, per la Val Vibrata i problemi sono gravi: la vocazione tessile l’ha esposta alla pressione dei prodotti importati a bassissimi costi e poi alla crisi produttiva, e oggi vi è emergenza occupazionale anche se nella ricerca del Censis figura tra i territori di eccellenza.
Un “ieri e oggi” molto ravvicinato questo, purtroppo di segno negativo.

Vogliamo concludere comunque in modo positivo, e lo facciamo ricordando l’intervento dello stesso assessore Gatti in apertura della manifestazione, allorché ha sottolineato la contiguità dell’Abruzzo con la Capitale e ha auspicato un avvicinamento sempre maggiore tra le due regioni anche sotto l’aspetto dell’imprenditoria e del lavoro. Se son rose fioriranno, ma non si può dire quando: “La primavera tarda ad arrivare”, cantava Franco Battiato nel 1991 nel suo accorato “Povera Patria”. Un “ieri e oggi” simbolico anche questo.

Tag: Gianni Chiodi, Paolo Gatti, politica, territorio

di Romano Maria Levante

Da Giovanni Bellini a Picasso in un “itinerario” tra il Quirinale e il Vittoriano.

Capita spesso di passare dall’uno all’altro dei palazzi romani più rappresentativi, ma non è frequente trovarvi in mostra espressioni artistiche coeve agli edifici che le ospitano. E’ accaduto di recente passando dal Quirinale, anzi dalle sue Scuderie, con la mostra di Giovanni Bellini che si è conclusa, al Vittoriano, presso l’Altare della Patria con la mostra di un Picasso molto speciale aperta fino all’8 febbraio 2009; artista, quest’ultimo, al quale pochi giorni fa “Repubblica” ha dedicato una pagina dal titolo “’Picasso le nuit’. Parigi insonne per una mostra”. Il salto nel tempo è notevole, dal Cinquecento al Novecento, e lo è anche quello nel mondo dell’arte: dalle immagini sacre del pittore detto il “Giambellino”, che Roberto Longhi ha definito “un genio creatore sublime”, alla pittura rivoluzionaria di Picasso, “l’Arlecchino dell’arte”, come lo definisce la mostra. Facciamo questo viaggio nella macchina del tempo per registrare le emozioni che suscita un simile accostamento di epoche e di stili attraverso l’arte di due grandissimi pittori.

Il Sacro

Cominciamo con Bellini. Il critico d’arte parla del rinnovamento nelle forme espressive e nei contenuti di cui fu artefice, di una pittura che crea uno stile compiutamente “italiano” coniugando il primo rinascimento fiorentino e l’esperienza lombarda con la luce, il realismo, i particolari dell’arte veneziana, in una unificazione del linguaggio pittorico antesignana dell’idioma parlato.

Il tutto rappresentando con grande intensità la forza dei sentimenti e la natura.
Il vostro cronista d’arte si immerge nelle sue sacre rappresentazioni cercando di verificare dal vivo se l’impatto visivo ed emotivo è quello ora descritto.
Si deve dire subito che l’artista riesce a far sentire il contenuto più profondo del nostro credo religioso, la discesa della Divinità sulla terra, la sua presenza tra gli uomini, nella natura.

Ecco che le immagini sacre hanno una collocazione terrena ben precisa, a differenza di molte astrazioni classiche che, ad eccezione di Giotto, le ponevano in una sorta di empireo indefinito. Innanzitutto dalle Madonne e dai Crocifissi di Bellini traspare un’intensa umanità, per le espressioni dei volti, la positura delle figure: struggente è il viso della Madonna i cui occhi non guardano il Bambino raffigurato in una sorta di maturità pensosa, quasi per il presagio della tragedia della Passione; un incrocio di sentimenti che umanizza il sacro.

E poi l’umanità diventa dominante per l’inserimento delle immagini nel vivo della natura, uno spettacolo di colori, di paesaggi, di raffigurazioni; una natura che è vera, reale; la ricca vegetazione e le tante specie d’erba sono riconoscibili come lo sono i borghi medioevali che fanno da sfondo alla scena. Sempre Longhi, che lo ha definito “uno dei grandi poeti d’Italia”, parla di “accordo pieno e profondo tra l’uomo, le orme dell’uomo fattosi storia e il manto della natura”, dove spiccano “le chiostre dei monti e le absidi antiche, le grotte di pastori e le terrazze cittadine, le chiese color tortora del patriarcato e il chiuso delle greggi, le rocche medievali e le rocce friabili degli Euganei”.

Queste raffigurazioni di paesaggi di autentica marca italica coinvolgono emotivamente quando ci si trova dinanzi alla “Pala di Pesaro” con l’Incoronazione della Vergine e alle diverse immagini di“Madonna con bambino”, alla “Trasfigurazione” e alla “Pietà”, al “Battesimo di Cristo” e al “Crocifisso con cimitero ebraico”, alle “Crocifissioni” e alle “Resurrezioni”.

La natura, dunque, è protagonista del Sacro accanto ai sentimenti, quasi che l’artista abbia voluto trasferire l’idea del Presepio, corale partecipazione terrena all’evento miracoloso, in ogni scena; del resto incarnazione e redenzione sono l’autentico sigillo del Cristianesimo che lo distingue da tutte le altre fedi.

Le sole eccezioni restano le rarissime opere sui fondi scuri, un nero profondo su cui si stagliano le figure umane per dare più forza ai primi piani: il “Cristo morto con quattro angeli”, il “Compianto sul Cristo morto” e soprattutto la “Presentazione al Tempio”, una sorta di “Quarto stato” sacro con le figure color pastello schierate in modo composto quasi a voler marcare una presenza costante e non effimera, superiore eppure familiare.

E anche il “Padre Eterno” – Dio che raramente troviamo raffigurato nell’arte dove abbondano invece Cristo, la Madonna e il Bambino – Bellini lo rende familiare nelle due raffigurazioni con le braccia aperte come le aprono i fedeli e il sacerdote nella recita del Padre Nostro durante la Messa.

La lunga fila – cinquecento persone in paziente attesa per entrare nella mostra – testimonia la percezione che di questo ha la gente, hanno tanti giovani. Non è solo la riaffermazione del valore del Sacro, così significativa oggi dinanzi alla sfida dei “bus atei” con i messaggi “Dio non esiste… non ne hai bisogno”,“Dio non esiste…goditi la vita”; è anche e soprattutto il trionfo dell’Arte.

Il Profano

Il breve tragitto dal Quirinale al Vittoriano fa decantare le immagini sacre di Bellini esposte alle Scuderie, intrise di sentimenti e immerse nella natura, e apre gli occhi e la mente all’impatto modernista di Picasso.

Fori e Mercati traianei, con la Colonna Traiana, sono lì a farci dimenticare le Madonne e i Crocifissi. Ma c’è una particolarità di Bellini che ci portiamo dietro, la sua continua evoluzione: da bizantino e gotico seguì le tracce di Mantegna, poi di Piero della Francesca e di Antonello da Messina, quindi del Giorgione, restando però sempre se stesso con la sua straordinaria intensità espressiva.

Ci tornerà in mente ripercorrendo l’arte di Picasso nel periodo che va dal 1917 al 1937, a cavallo di una molteplicità di stili, anche da lui creati, ai quali ha impresso la propria impronta. Ma il suo percorso non è segnato dall’abbandono degli stili precedenti bensì dalla loro compresenza come segno della totale padronanza dell’arte pittorica al punto di voler marcare la perenne validità di ogni forma espressiva. In arte, diceva, non vi è progresso né evoluzione, l’esempio del passato è efficace quanto la modernità, e può essere ripreso senza per forza divenire accademia.

In questo Picasso è “L’Arlecchino dell’arte”, e non solo perché si identificava in lui e aveva il vezzo di riprodurlo in tanti modi (“seduto”, “musicista” “con donna e collana”, “su tavolozza”, e in molti “ritratti”); le pezze variopinte dell’abito della marionetta non sono le frammentazioni dei piani e dei volumi nelle opere cubiste, o le figurazioni espressioniste, surrealiste, astratte ed anche neo-classiche, bensì la compresenza senza imbarazzi di queste forme artistiche apparentemente antitetiche. In questo modo può offrire lo stesso soggetto in stili diversi presentandoci, pirandellianamente, tanti artisti in uno solo.

La mostra ne fa il proprio sigillo sin dalla prima sala affiancando due ritratti, accomunati dall’identica dimensione ma di stili opposti, tra i quali sembrano intercorrere decenni, mentre sono stati dipinti a distanza di pochi mesi: sono del 1917 la cubista coloratissima “L’italiana” del maggio seguita in autunno dal figurativo neo-classicista “Arlecchino” dalle tenui tinte pastello; al primo stile appartengono anche “Mandolino musicista” e “Mandolino e chitarra” del 1924, “Due donne di fronte a una finestra” del 1927 e “Pittore e modella” del 1928, “Grande nudo in poltrona rossa” del 1929; al secondo stile “Donna che legge” del 1920 e “Studi” del 1920-22, “La corsa” del 1922 e “Uomo con la pipa” del 1923, e infine le cento incisioni della “Suite Vollard” del 1930-33.

Si resta frastornati non tanto dall’eterogeneità delle forme pittoriche giustapposte nella mostra, quanto dalla loro contemporaneità. In questo Roma è stato un passaggio importante, e con essa Napoli (su una sua cartolina “ad Olga” del 21 aprile 1917 si legge “ti scrivo dal ristorante dove abbiamo pranzato con i… russi, cantiamo canzoni napoletane e siamo molto felici”) e Pompei (dove fu molto colpito dalle pitture parietali).

Sui due mesi del 1917 trascorsi nella città eterna – dove conosce la futura moglie Olga Khokhlova, una stella dei Balletti russi per i quali lavorò – ci si sofferma con una ricca esposizione non solo pittorica ma anche documentaria che fa capire più di ogni illustrazione critica quel mondo e quel sentire.

La vivace comunanza di vita con Jean Cocteau, Igor Stravinsky, Guillaume Apollinaire, fa capire come fossero profonde le motivazioni interiori e gli stimoli culturali nel progredire della sua arte. Le vestigia della romanità gli fanno sentire la vitalità persistente dell’arte del passato, lo convincono che le forme artistiche non sono mai estinte né superate, ma devono sopravvivere, essere riproposte.

Così, quando al neo-classicismo e al cubismo succedono l’espressionismo, il surrealismo e, più oltre, forme di astrattismo, in lui non sostituiscono gli altri stili ma si affiancano ad essi, come provano le citate cento incisioni neo-classiche della “Suite Vollard” dei primi anni ’30, nelle cui forme si possono intravedere addirittura tratti michelangioleschi. E non fu una scelta indolore, dovette subire accuse di “tradimento” del cubismo.
Passando ai ritratti, colpiscono i visi di donna dipinti nel 1937, alcuni sereni e composti, altri disperati, come le due “Donna che piange” e le due “Donna che piange con fazzoletto”. Tutti hanno la tipica forma cubista con gli occhi, il naso, la bocca decentrati, l’opposto del figurativo, anch’esso picassiano, presente nelle stesse sale; ma qui le figure non proiettano sulla tela soltanto il movimento, bensì la quiete nelle prime e soprattutto la sofferenza, resa atroce dalla deformazione, nelle seconde.

Dinanzi a queste immagini ripensiamo a una notazione che ci ha colpito, l’ammirazione di Picasso per i volti di Raffaello; e ci piace pensare che i visi asimmetrici, per usare un eufemismo, hanno come matrice rivissuta dalla sua arte quegli ovali perfetti, quelle ogive geometriche che sono astrazione massima e insieme rappresentazione vera della femminilità nella sua intrinseca armonia.

I visitatori si muovono nelle sale spostandosi da una parte all’altra per confrontare le figure, tornando sui propri passi e commentando la compresenza nel tempo dei diversi stili. E’ un’eccitazione partecipativa ben diversa dall’assorta contemplazione in un silenzio religioso (è il caso di dirlo) che avevamo riscontrato nella mostra su Bellini.

Condividiamo con un vicino le espressioni di ammirazione di Picasso per Raffaello: “Quale che sia il piacere che posso provare dal seguire le linee tormentate di Michelangelo, mi lascio guidare con serenità da quelle di Raffaello, pulite, pulite, sicure come in pieno cielo, come se non ci fossero ostacoli per loro. Non è Leonardo da Vinci che ha inventato l’aviazione ma Raffaello”. Il vicino ricambia ricordandoci le ben note parole dell’artista: “Quando ero un bambino disegnavo come Michelangelo, ho impiegato tutta una vita a liberarmi per imparare a disegnare come un bambino”. Intorno osservazioni e commenti, stupori ed emozioni.

Ma la mostra tematica copre il periodo tra le due guerre, caratterizzato dalla presenza violenta di una realtà politica sempre più minacciosa che precipita nello scontro bellico, e ne dà conto con opere che esprimono sofferenza. Di qui, dopo un ritorno al ritratto in cui Picasso passa da uno stile all’altro, l’evocazione dei drammi in atto e all’orizzonte, con le tragedie della guerra civile spagnola e le sciagure incombenti dell’hitlerismo e dello stalinismo.

I lavori e i quadri preparatori del capolavoro Guernica – come i tormentati “Testa di toro”, “Testa di cavallo” e “Il Minotauro” che ne anticipano la forte efficacia espressiva – ne sono la prova.

Sono eloquenti, per l’evoluzione e insieme la persistenza della forma artistica, i tre taccuini (del 1922, 1927, 1934) “sfogliati” dalla tecnologia per il visitatore, ognuno dei quali marca uno stile, dal figurativo più ortodosso al cubista estremo con una forma intermedia che, però, non lo è nel tempo.

Altra prova questa del rifiuto di ogni superamento stilistico per riaffermare l’universalità dell’arte intesa come compresenza di stili e anche di ingredienti, di contenuti.

“L’artista – diceva Picasso – è un ricettacolo di emozioni venute da ogni parte: dal cielo, dalla terra, da un pezzo di carta, da una figura che passa, da una tela di ragno. Perciò l’artista non deve distinguere fra le cose. Per esse non esistono quarti di nobiltà”. La nobiltà, ci permettiamo di concludere, è nell’artista.

Tag: Giovanni Bellini, Pablo Picasso, Quirinale, Vittoriano

di Romano Maria Levante

– 2 febbraio 2009 – Postato in: scultori

Un viaggio nell’arte e nella vita dell’artista abruzzese.

Le celebrazioni sono spesso un fatto rituale, legato al calendario più che al ricordo. Non è così per Venanzo Crocetti, il grande scultore abruzzese che a sei anni dalla morte viene ricordato martedì 3 febbraio 2009 con una cerimonia che si muove come ogni anno sull’asse Teramo–Roma, il suo percorso di vita. La partecipazione del Vescovo di Teramo Michele Seccia, presso il Museo Crocetti sulla via Cassia a Roma, ne fa rimarcare la componente religiosa, mentre la visione culturale del prof. Enrico Crispolti ne sottolinea i valori artistici. C’è anche il videoart di Agostinelli sul suo senso dell’umano.

Importante è tenerne vivo il ricordo, e su questo il Presidente della Fondazione intitolata a Crocetti, Antonio Tancredi, mette tutto il suo impegno di mecenate moderno: dalle celebrazioni nazionali alla promozione internazionale, come quella nel grande Ermitage di San Pietroburgo, fino alla riscoperta di opere come il busto di marmo di D’Annunzio del 1940, tradotto in bronzo nel settantennale della morte del Poeta ed esposto in permanenza a Teramo con le sue grandi sculture monumentali.

Per il cronista tenerne vivo il ricordo significa ripercorrere i momenti e i motivi salienti del suo itinerario artistico e umano cercando di decifrarne le motivazioni e i contenuti più profondi, con l’occhio che guarda non solo per vedere ma anche e soprattutto per capire.

Il nostro viaggio nel mondo di Crocetti inizia a Roma dinanzi alla “Porta dei Sacramenti” della Basilica di San Pietro, con gli otto pannelli ben distinti ma uniti da un nesso interiore, quello che lega la posa ieratica del celebrante alla figura del penitente nel quale sentiamo vibrare l’emozione.

E’ questo forse il punto più alto raggiunto dall’artista approdato a Roma dalla provincia abruzzese che ne ha nutrito e ispirato le precoci manifestazioni giovanili, dai primi schizzi sui muri delle case e sul selciato nelle vie del paese con il carbone, il cui segno robusto ritroviamo nella produzione di disegni, in un carboncino che ricorda questi inizi. E tanti dei temi ricorrenti si nutrono dei ricordi d’infanzia, dal pescatore, alla lavandaia, agli animali da cortile e non solo, che popolavano le sue giornate, alle figurine da presepio che si dilettava a modellare.

Lo sottolinea il critico d’arte Enzo Carli ricordando “il carattere ancora arcaico e pastorale che allora conservavano quei luoghi” collocati in “quel dolcissimo lembo della terra d’Abruzzo, forse la più bella e la più ‘sconosciuta’ regione d’Italia, tra le montagne del Gran Sasso e il mare, che ha come centri più importanti Teramo e Giulianova”, quest’ultimo paese natale del Maestro.

Tra l’inizio e il culmine della parabola artistica si muove tutto il suo mondo, la sua scultura improntata alla classicità: anche nelle raffigurazioni all’insegna del realismo vi è una compostezza, un’astrazione superiore legata a una forma plastica che rappresenta l’architettura ideale della figura. Ma sono significativi anche i casi ben diversi in cui Crocetti – osserva ancora Carli – “conferisce ai suoi ritratti… una tensione psichica, o un moto fisico o, meglio, fisionomico che sommuova la compostezza – non, si intenda, la freddezza o l’immobilità – dei loro lineamenti”.

Un altro critico, Floriano De Santi, dà un’ulteriore interpretazione della sua classicità: “E’ classica l’arte che compendia nella rappresentazione della forma una concezione globale del mondo, un’esperienza storica dello spazio e del tempo, del naturale e dell’umano, di cui si concede che mutino secondo i momenti e i luoghi, gli aspetti contingenti, ma non la sostanza o la struttura, cioè la storia intesa come coscienza del valore e ordine degli eventi”. E cita esempi precisi: “Così dimostrano, ‘ad evidentiam’, capolavori crocettiani quali ‘Gazzella ferita’ del 1934, ‘Giovane con l’agnello’ del 1942, ‘Bagnante che si asciuga’ del 1955, ‘Donna al fiume’ del 1969, ‘Maria Magdala’ del 1980-81 ed ‘Equilibrio armonico di una ballerina’ del 1990”.

E se l’arte è lo specchio della vita, in essa non potevano non riflettersi i contrasti dovuti a un’infelicità che ha accompagnato il successo sin dall’età giovanile: un successo venuto subito, quasi a compensare la tragedia familiare che lo ha visto restare orfano di madre a dieci anni e perdere il padre due anni dopo, per essere affidato alle cure dello zio paterno, muratore a Portorecanati.

E’ stata forse la reazione orgogliosa della propria volontà che gli ha fatto moltiplicare le forze e le iniziative facendo leva su un talento innato e su una grande determinazione pur dietro un pudico riserbo, tanto da far dire a Carlo Ludovico Ragghianti: “Non si riscontrano nella formazione e nel percorso di Crocetti dibattiti o crisi. Una spontaneità felice, oltre ogni difficoltà e talvolta divieto di vita specie nella prima età, ha presieduto alle origini artistiche dello scultore, chiaramente un predestinato che fin dalla pubertà ha inseguito con tensione ininterrotta, e si direbbe con serenità, la finalità scoperta fin dalla vocazione”. L’arte, dunque, come suprema rasserenatrice della vita.

E’ straordinario il suo cursus honorum, dalla prima esposizione nel 1930 a soli 17 anni, ai prestigiosi Premi a lui conferiti, alla presenza stabile nelle Quadriennali di Roma e nelle Biennali di Venezia, alle Presidenze e alle Cattedre di scultura nelle più importanti Accademie nazionali, alle grandi committenze; le sue opere si trovano nelle principali gallerie in Italia e all’estero.

Questo è divenuto il mondo di Venanzo Crocetti. La sua dimensione internazionale unita al significato simbolico delle opere monumentali si può riassumere nei tour itineranti del “Giovane Cavaliere della Pace”. E’ stato esposto al Parlamento europeo di Strasburgo e al Palazzo dell’ONU di New York, e soprattutto al Museo di arte contemporanea di Hiroshima, oltre che all’Ermitage di San Pietroburgo e al Tretiacov di Mosca: cioè ovunque si volesse dare una rappresentazione plastica ed eloquente di un valore così alto come il sogno di sempre degli individui e delle nazioni. Finora irrealizzato ma mai abbandonato.

A Roma, nello studio del Maestro

Andiamo a visitare lo studio d’artista di Crocetti, è uno dei due poli della sua vita e della sua arte. Si trova sulla via Cassia, alla periferia di Roma, nei pressi della Tomba di Nerone, incorporato nella grande costruzione del Museo Crocetti; anch’essa realizzata in vita dall’artista con un’iniziativa che colpisce per il notevole impegno e la coraggiosa lungimiranza. Ci attira subito la porta d’ingresso, un bassorilievo di figure al lavoro con i segni della fatica umana. E’ risplendente nella sua patina dorata, come la “Porta dei Sacramenti”, ma invece della compostezza ieratica c’è un’agitazione febbrile.

Entriamo nel Museo come se visitassimo un mausoleo, andiamo alla ricerca dello studio come si cerca la cripta. Ebbene, non ha nulla del mausoleo, è come se l’artista ne fosse uscito solo momentaneamente, lasciando gli attrezzi e gli strumenti inattivi, ma pronti a ricominciare, in un apparente disordine nel quale bozzetti, disegni, pannelli si succedono in un happening creativo. Attira la nostra attenzione una scala per accedere alla sommità del bassorilievo in gesso recante un Angelo, la Madonna e un bambino in piedi; perché sembra un’opera in fieri alla quale manca soltanto la fusione finale per divenire capolavoro, mentre il bozzetto della “Porta dei Sacramenti” fa bella mostra di sé.

Si disvela dinanzi a noi il miracolo della creazione artistica per mezzo di quegli attrezzi, di quegli arnesi, nella collocazione casuale e insieme oculata delle suppellettili, degli oggetti personali e di quelli comuni ad ogni abitazione. Perché fuori dallo studio, dopo il vetro divisorio che consente di vederne l’interno, ci sono le opere d’arte dello scultore.

Nelle cinque sale per l’esposizione permanente del Museo, distribuite su due piani, incontriamo una folla di figure, che animano una foresta incantata più che pietrificata, dove le ballerine si mescolano agli animali e agli altri soggetti dell’iconografia di Crocetti.

Guardiamo allora i suoi animali, un filone seguito dai grandi artisti che lo hanno preceduto, senza cercare influssi e tanto meno derivazioni. Colpisce il fremito che promana dalle sculture, scattanti e vitali, dalla “Gazzella ferita”, alla “Leonessa”, ai tanti “Cavalli”, nelle loro espressioni più dinamiche, alcuni scavati come i ronzini disegnati da Salvador Dalì nelle illustrazioni del Don Chisciotte di Cervantes, laddove Marino li raffigurava fermi, quasi bloccati e comunque accomunati alla sorte tragica del cavaliere. In Crocetti nervi e muscoli sono in tensione, i corpi arcuati, le zampe protese, aggrovigliate, e anche l’immobilità sembra pervasa, si direbbe squassata, da un’irrequietezza indomabile.

Ragghianti ha così commentato: “Crocetti nella composizione di figure, negli animali e specie nei cavalli infondeva un fluido continuo e incalzante, la strofe plastica si diramava come un organismo accelerato dal moto e ritmato dal respiro, e così mosso destinato a serbare per sempre l’originaria pulsante dinamica”.

Ma sono le figure umane a catturare ora la nostra attenzione, così imponenti e statuarie, ben diverse dalle figure animali. Soltanto la “Maddalena” nelle sue diverse raffigurazioni (del 1973-76 e del 1985) mostra la stessa vitalità nervosa, tutta raccolta e schiacciata come le fiere sono raccolte e pronte a scattare. Una Maddalena scarmigliata come una Erinni, che trasmette angoscia, sofferenza, disperazione, mentre le figure femminili, soprattutto le modelle, esprimono compostezza e stabilità, oltre che dolcezza, con il dinamismo represso delle danzatrici calato in un clima di assoluta serenità. E’ il tema prediletto, nel Museo notiamo almeno una diecina di queste figure, dalla “Fanciulla al fiume” del ‘34 alla “Ragazza seduta” del ‘46, dalla “Modella in riposo” del ‘64 alla “Modella che riordina i capelli” dell’’85, dalla “Maternità” del ’98 alle tante ballerine.

In tutte vi è una costante, l’equilibrio e la calma. Si sente una forza tranquilla; e soprattutto si è soggiogati dalla grandiosità. Le dimensioni, che sovrastano la statura umana fino a superare costantemente i due metri, sono tali da suggerire questa qualifica: anch’esse sono una costante della sua produzione in bronzo, resta il carattere monumentale anche nelle opere che non hanno tale destinazione. E’ un segno anche questo della sua classicità, del bisogno di rispettare canoni millenari verificati in una colta ricerca di studioso oltre che di artista.

Si avverte una sensualità naturale, in quei corpi con i seni nudi nel segno di un’innocenza primigenia da paradiso terrestre. La bellezza muliebre viene celebrata come nell’antichità classica e nel Rinascimento, e torna anche per questo verso la classicità di Crocetti, la sua collocazione in una posizione certamente elevata tra i grandi maestri. Sembra che le ballerine di Degas abbiano preso forma e ci guardino dall’alto irraggiungibili, chiuse nella loro corazza di carne e insieme aperte mentre roteano i loro corpi e le loro vesti taglienti come lamine all’aria, alla natura: insomma alla vita in un’altra dimensione.

Secondo Fortunato Bellonzi prorompe la “femminilità che sopporta il peso del proprio fiore”, la “carne che già dimette le promesse acerbe, e che pare liberarsi della veste come di una costrizione” e si vede come “il timbro elegiaco marchi intimamente la carnalità abbandonata”; nondimeno “negli atti dei volti e delle membra dominano una compostezza austera, che attribuiresti al sentimento di un destino oscuro e vagamente minaccioso, e un riconoscimento costante della creatura e del suo vitalismo prorompente negli anni giovani ”. C’è come non mai la sintesi tra classicità e realismo propria dell’arte del Maestro.

Ed è in un’altra dimensione che ci sentiamo proiettati dinanzi al “Giovane Cavaliere della Pace”, grande composizione nella quale si ricongiungono i motivi di compostezza della figura umana con quelli di vitalità nell’animale, questa volta il più nobile e amato dall’artista. Ammiriamo nel giovane cavaliere che si china ad accarezzare il collo del cavallo, il cui muso sfiora il terreno per brucarne l’erba, il simbolo del valore altissimo celebrato nei posti emblematici del mondo. Vederlo nel suo Museo ci proietta nella dimensione cosmopolita che ha permesso all’artista di diffondere, attraverso quest’opera monumentale fortemente evocativa, un messaggio di fraternità universale.

A Teramo, tra le sculture all’aperto di Crocetti

Dall’universo mondo alla provincia abruzzese il passo è breve seguendo le orme di Crocetti. Torniamo alle origini, alla terra che ha visto i suoi primi disegni: a Teramo da dove partì per Roma. Siamo dinanzi al Municipio, a Piazza Orsini, un angolo discreto a misura d’uomo, un gioiello di arte per gli edifici che la circondano, in primis il Duomo e il Vescovado, e un lascito storico per le vicende che l’hanno attraversata.

La statua della “Maternità”, con lo splendido nudo di donna mentre solleva un bambino, che invece è vestito, è una figura solare posta all’aperto sotto gli occhi dei suoi concittadini. Ci riporta alle ballerine, alla sensualità naturale e primigenia, alla seduzione innocente. Un’ardita associazione di idee ci richiama la “Madonnina del Gran Sasso”, diversissima a prima vista per il pesante mantello che le copre anche il capo mentre il bambino ha il petto nudo, ma simile nel gesto spontaneo di protendere il piccolo in alto, quasi in un’esibizione orgogliosa.

Superiamo il Duomo quattrocentesco, romanico con segni gotici, dal campanile svettante, sappiamo che l’interno – di recente restaurato – .è di una sobrietà esemplare che ispira raccoglimento, illuminato dallo sfolgorante “Paliotto d’argento” di Nicola da Guardiagrele. C’è un bel portale d’ingresso e sul retro una scalinata che ha al culmine un secondo portale con l’“Annunciazione” di Crocetti , le cui grandi figure si stagliano nel bassorilievo guardando dall’alto ì giovani, numerosi nella città sede universitaria, che si affollano in quello che è diventato il loro luogo di raduno.

E’ stata l’ultima opera incompiuta di Crocetti, completata con una colomba in alto da Silvio Mastrodascio, scultore venuto dalla montagna di Cerqueto mentre il nostro veniva dalla marina di Giulianova, provenienze nelle quali ci sembra di rivedere il camoscio con coda di sirena, marchio e iconografia della regione.

Risaliamo il Corso cittadino in questo pellegrinaggio ideale, la nostra meta è un’opera particolarmente complessa dalla motivazione superiore alla pur elevata ispirazione artistica, in quanto investe sentimenti profondi quanto sofferti impressi nella storia e nella vita di una intera comunità. Il “Monumento ai Caduti di tutte le guerre”, realizzato tra il 1960 e il 1968, non è solo un gruppo di sculture imponenti che superano i quattro metri d’altezza; è un set a cielo aperto con l’immagine di raggiunta serenità data dal “Giovane Cavaliere della Pace” al centro e di inquieta sofferenza nelle figure ai lati, che rappresentano rispettivamente i “Caduti della Terra”, i “Caduti del Mare”, i “Caduti del Cielo”.

Nelle loro immagini poste in verticale, scavate e allungate fino ad apparire innaturali, non vi è la compostezza delle ballerine né la serenità del Cavaliere, tutt’altro; un fremito nervoso scuote i corpi protesi in pose estreme come lo è il momento nel quale sono colti, sul confine sottile tra l’eroismo e il sacrificio, la sublimazione di sé per una causa superiore.

Una composizione “en plein air”, un vero Mausoleo, in cui le figure, distinte e lontane l’una dall’altra, ricompongono l’unitarietà del contenuto e del messaggio da qualunque angolo di visuale, in un tutt’uno con l’ambiente circostante, i tigli che le fanno corona, le colline che la sovrastano, il Gran Sasso che le fa da sfondo.

E qui, tornando sui nostri passi per un breve tragitto, entriamo in contatto con un’altra cospicua presenza dell’artista nella sua terra, inusuale perché non si tratta di un monumento pubblico o di un’esposizione privata.

Ci siamo passati vicino senza fermarci, la nostra meta era il Monumento ai Caduti, ma ora possiamo ammirare quella che ci piace chiamare la “piccola Loggia dei Lanzi”, l’esposizione nella terrazza-giardino della Banca di Teramo che domina la strada cui si accede dal livello superiore. Antonio Tancredi, presidente della Banca oltre che della Fondazione e realizzatore di questo Museo a cielo aperto, ci parla dei contenuti umani delle sue opere, che sono universali, come “la passione e l’amore, la gioia e il dolore, la contemplazione illuminata e l’esaltazione della vita”.

Alcune esprimono “lo smarrimento e l’umiltà e altre l’eleganza e la forza e altre ancora la dolcezza e la prepotenza. In tutte le figure sono impressi i modi di essere dei sentimenti e delle interiorità che si incontrano nel mondo”.

E ci rivela i contenuti umani dello scultore, suo sodale di vita, che chiamava “monaco della scultura” perché “in tutta la sua vita ha sempre cercato il lavoro, in silenzio e solitudine”. In definitiva, “un artista che non conosce pause per feste o per ferie, che non ammette distrazioni, neanche le più lecite, perché queste opere sono la sua famiglia, i suoi figli, tutto il suo mondo”. Colpiti da queste parole alziamo gli occhi alla grande scultura che ci sovrasta.

E’ il “Giovane Cavaliere della Pace”, ancora lui! Lo avevamo visto a Roma e poi a Teramo al centro del “Monumento ai Caduti”, ma qui c’è qualcosa di diverso. Notiamo il serto d’alloro sul capo che mancava nelle altre sue incarnazioni, se così si può dire, e non è un particolare secondario. Perché il viso proteso incoronato dal serto, con gli occhi febbrili, ci ricorda il giovane intenso protagonista del suggestivo film “L’attimo fuggente” nelle scene culminati della rappresentazione teatrale. Con questa preziosa variante sul tema l’artista è riuscito a precorrere i tempi, a fare del suo Cavaliere un simbolo anche per la gioventù, nella febbrile inquietudine che si affianca al sentimento di pace. A questo punto è riduttivo parlare di grandiosità delle sue opere. Si può parlare di grandezza.

Tag: Roma, Venanzo Crocetti

di Romano Maria Levante 

Il giorno della memoria nel 65° anniversario della liberazione di Auschwitz il 27 gennaio 1945 si inaugura al Complesso del Vittoriano a Roma la grande mostra , aperta fino al 21 marzo 2010, su “Auschwitz–Birkenau”, i campi di sterminio per la “soluzione finale” con il genocidio degli ebrei, nell’orrore degli eccidi e nel degrado umano, in base a documenti, reperti, fotografie e video.“La morte dell’uomo” è la risposta che ci ha dato Bruno Vespa, in esclusiva per Abruzzo Cultura, alla nostra richiesta di fornire, lui curatore della mostra insieme a Marcello Pezzetti, una definizione che la riassumesse, quasi dovesse fare il titolo di “Porta a Porta”. Conosciuta la nostra provenienza ce l’ha data con molta cortesia, dopo un attimo di riflessione.

Abbiamo cominciato dalla fine, l’incontro con Vespa è stato nell’intrattenimento dopo la visita alla mostra su Auschwitz-Birkenau e la presentazione con le autorità, una celebrazione sobria e toccante. Ospiti d’onore, anzi veri protagonisti circondati di attenzioni e di affetto, tre sopravvissuti, tra cui il premio Nobel Elie Wiesel.

Un aggettivo e un sostantivo simboli della memoria

Due parole si ritrovano nel messaggio del Presidente della Camera Gianfranco Fini e in quello del Sottosegretario alla Presidenza del Consiglio Gianni Letta, che da un anno presiede il Comitato di Coordinamento per le Celebrazioni in ricordo della Shoah. Le parole sono: un aggettivo, “vivido”, un sostantivo, “monito”. Il primo si riferisce al ricordo e alle testimonianze, è vivo e livido insieme; il secondo è per il presente e il futuro, non dimenticare perché l’orrore non si ripeta.

Vivida è la testimonianza piena di sgomento per “tutti gli atti disumani” il cui ricordo, è sempre Fini, “non cesserà mai di indignarci e di turbare le nostre anime”. Atti consegnati alla cronaca prima, tanto erano visibili, alla storia poi, tanto sono laceranti, dinanzi alla vista, ha ricordato Letta, di “milioni di oggetti personali quando non di frammenti di corpi umani accatastati; volti e corpi di uomini, donne e bambini, deturpati e annientati solo perché ebrei, sinti o rom o politicamente non omologati”.

Il monito per Fini viene dalla coscienza del passato per garantire il futuro contro simili barbarie: “Considero, infatti, la memoria collettiva una conquista morale e civile per ogni Paese autenticamente democratico”. Gianni Letta si è posto in una dimensione problematica e sofferta: “Tutto ciò ad opera di persone considerate normali, comuni, e sotto gli occhi di un’umanità che non vedeva , non capiva”. In questa agghiacciante “normalità” il monito viene dalla “banalità del male” che “individua nella sospensione :della facoltà di pensare la causa del progressivo cedimento da parte di persone, del tutto normali, a compiere atti altrimenti inconfessabili, visti esclusivamente in funzione di un progetto criminale di cui non si è stati capaci di percepire la gravità”.

L’inferno e il buco nero, il monito per l’umanità intera

Evocare il “sonno della ragione” sarebbe troppo poco, viene evocato l’ “inferno”, lo fanno Gianni Alemanno e Sandro Bondi, le autorità che hanno parlato nell’inaugurazione, gli altri sono stati presenti e i loro interventi all’apertura sono messaggi scritti. Il Sindaco di Roma lo annuncia agli studenti romani che vanno a visitare quei campi di sterminio: “Ragazzi, sappiate che sarà un viaggio verso l’inferno. Andrete nel punto più buio dell’animo umano, un sorta di viaggio dantesco”.

Il Ministro per i Beni e le Attività Culturali , ricordando i 1.022 ebrei romani deportati ad Auschwitz il 18 ottobre 1943, di cui solo 17 fecero ritorno, dice: che “persero la vita in quell’inferno al quale tutti noi dobbiamo avere il coraggio di volgere lo sguardo per non doverci un giorno ritrovare a riviverlo.

Il “buco nero nella storia del XX secolo” per Alemanno è “una discesa nel lato oscuro dell’umanità”, per Vespa è la rimozione fatta da una generazione per difetto di conoscenza, la mostra colmerà il vuoto. Dinanzi alle omissioni di allora l’umanità, per Bondi, “si interroga su quel silenzio, sull’impotenza di Dio” e conclude che “la risposta alle ideologie del male risiede in noi, nell’essere capaci di una conversione, un rinnovamento interno per costruire una società più umana”.

Marcello Pezzetti, curatore con Vespa della mostra, dà all’esposizione una funzione pratica: “Comprendendo i processi che dalle prime persecuzioni hanno condotto poi alla sopraffazione violenta e allo sterminio, si imparerà a riconoscere i germi dell’intolleranza al loro primo manifestarsi, onde combatterli e impedirne lo sviluppo prima che sia troppo tardi”.

Il presidente dell’Unione delle Comunità ebraiche italiane Renzo Gattegna sottolinea che “tali crimini non furono commessi solo contro il popolo ebraico e le altre categorie giudicate ‘inferiori’, ma contro tutta l’umanità”. E conclude dicendo che Auschwitz è stato “uno spartiacque della storia. Dopo Auschwitz l’Europa è completamente cambiata, ora è retta da quei principi e quel valori che Auschwitz cercò di annientare. Il monito è per l’umanità intera”.

Il rastrellamento

Uno sguardo d’insieme alla mostra

Tutto questo si è svolto nella sala monumentale del Vittoriano, anche le parole scritte sembrano riecheggiare tra quelle colonne con i capitelli dalle volute ioniche, la platea per gli invitati e la piccola galleria per la stampa, la solenne scalinata e la quadriga con la vittoria alata dietro agli oratori che si sono succeduti a un microfono isolato, una presenza sobria e spartana come dovuto.

Parole, quelle scritte e quelle dette, che si sostanziano nelle testimonianze quanto mai vivide esposte in mostra, nelle immagini agghiaccianti che rappresentano quel monito che più di uno ha evocato. Negli ambienti dell’esposizione il monito viene dai documenti, spesso di fonte tedesca, dagli oggetti, come le lugubri divise rigate del lager, dalle lettere ricolme di tenerezza e dai tremendi elenchi di internati di una burocrazia dell’orrore; c’è anche un frammento del ghetto di Varsavia.

La visita alla mostra

Si visita la mostra in un’atmosfera tesa, tra video e filmati, si guardano le immagini, fotografie e disegni, agghiaccianti nella loro spaventosa evidenza. Ci colpiscono i disegni sulla “selezione”, fatta separatamente per donne e uomini, all’aperto, quei corpi nudi appena abbozzati sembrano ancora più inermi e indifesi nei pochi tratti che li delineano, torna subito alla memoria “se questo è un uomo”; e il tarlo dell’anima che ha fatto soccombere il sopravvissuto Primo Levi schiacciato molti anni dopo da un peso, rinnovatosi con la visita al lager, che il tempo non aveva alleggerito.

Ripensavamo al suo dramma perché, anche se in forme e con esiti diversi lo hanno vissuto tanti, forse tutti i sopravvissuti venendone fuori. Si sono rinchiusi in se stessi perché troppo grande era l’orrore per essere comunicato; c’era addirittura il timore di non essere creduti. E questo silenzio ha reso temerari i revisionisti, fino a cercare di accreditare il negazionismo, ne ha parlato Bruno Vespa.

Fino a quando si è aperta la fontana dei ricordi, il tabù è stato superato, il revisionismo-negazionismo schiacciato dall’evidenza della realtà provata e testimoniata direttamente.

L’ultima sezione della mostra è dedicata ai processi per Auschwitz, svoltisi dopo il processo di Norimberga ai più alti gerarchi per i crimini di guerra insiti nella loro responsabilità complessiva. E’ l’approdo, la dolente nemesi che giunge purtroppo tardi, quando milioni di vite sono state schiacciate, un milione nel solo campo di Auschwitz, con duecentomila bambini la cui vita è stata spenta il giorno del loro arrivo al lager.

Sono sconvolgenti quegli occhi che sembrano guardarci dalla fotografie esposte alle pareti, la “vita è bella” in un cupo bianco e nero senza finzione cinematografica è davanti a noi. Alla bestialità della guerra si aggiunge l’infamia inenarrabile dell’olocausto, il genocidio di un popolo da eliminare nell’aberrazione dell’inferiorità o superiorità razziale.

La mostra non fa salti, Ci fa ripercorrere le tappe di un itinerario allucinante per la lucida follia che lo pervade in quella “sospensione della facoltà di pensare” di cui ha parlato Gianni Letta. Birkenau, oltre Auschwitz, viene preso come espressione criminale di un disegno consapevole definito nei suoi particolari non come obnubilazione temporanea e folle. Aveva un ruolo ben preciso nel meccanismo perverso della “Shoah” nazista.

In sette sezioni, ulteriormente ripartite al loro interno, si attraversa il museo degli orrori dell’Europa prima metà del novecento. C’è il cosiddetto “sistema concentrazionario” con i suoi campi da lavoro e le sue regole, viene descritta la nascita di Auschwitz.

Dalla persecuzione degli ebrei nella Germania nazista ai ghetti polacchi, inizia lo sterminio prima in Unione Sovietica, poi in Polonia; oltre a quello degli ebrei il “destino parallelo dei sinti e dei rom”. Il piano Auschwitz-Birkenau è lo strumento perverso per realizzare l’obiettivo aberrante. A seguito del piano tali campi diventano i terminali delle deportazioni di ebrei dall’Europa e anche dall’Italia.

Nella mostra si vede come fosse pianificato lo sterminio: dalla selezione al massacro nelle camere a gas, fino al trasporto dei corpi e al saccheggio dei beni delle vittime.

La vita nel lager e le condizioni di lavoro sono ben documentate con scritti e immagini: dopo l’immatricolazione la quarantena e l’inserimento nella vita del campo, con il lavoro; poi le selezioni interne e i criminali esperimenti medici. Particolare attenzione va ai bambini e ai giovani presenti nel campo, dove ci sono anche le altre categorie perseguitate. E poi l’“arrivano i nostri”: evacuazione, liquidazione e liberazione del campo, fino alla scoperta dei crimini contro i tentativi di occultarli, infine i processi di Auschwitz. Siamo tornati al punto dal quale avevamo iniziato il giro.

Gli aguzzini nazisti

Una ricorrenza per la memoria di tutti noi e dell’umanità intera

Abbiamo raccontato la cerimonia ma non la mostra, della quale abbiamo indicato soltanto i contenuti per fugaci accenni. Lo faremo in modo più meditato di quanto consentito in una serata d’inaugurazione, ripercorrendo il museo degli orrori che rappresenta e cercando di leggere nella lucida follia che lo ha architettato le tracce del disegno delirante e del meccanismo infernale.

Oggi la cerimonia è stata un’intensa immersione in una tragedia epocale resa insostenibile dai visi dei bambini che sgranano gli occhi nelle immagini esposte. Erano così, pensiamo, i visi dei tre sopravvissuti presenti,quegli occhi potrebbero essere del Premio Nobel Elie Wiesel che tutti riveriscono. Si sente un tuffo al cuore, i morsi della memoria sono laceranti, scavano dentro.

Però per questa sera l’ingresso dell’inferno può bastare, il viaggio dantesco nella mostra lo faremo un’altra volta e lo racconteremo come sempre. Possiamo uscire a riveder le stelle. E certo, la terrazza del Vittoriano ce le presenta con la vista mozzafiato unica al mondo.

Sono le ore 20, ha smesso di piovere, attraversiamo la grande terrazza, possiamo dinanzi all’ascensore trasparente che porta in vetta al Vittoriano. Scendiamo a Piazza Venezia, non c’è più la fila davanti al palazzo per “Il Potere e la Grazia”, la grande mostra ha chiuso i battenti per questa sera.

Ci affrettiamo a tornare a casa per scrivere il servizio. Vogliamo essere sulla rivista quando sorgerà il sole del sessantacinquesimo anniversario della “liberazione” di Auschwitz, il 27 gennaio 2010.

Sentiamo il dovere di celebrare, con la solennità che merita, una ricorrenza così importante per la memoria di tutti noi e dell’umanità intera.

Tag: Bruno Vespa, Gianni Letta, Roma

4 Comments

Claudio Vespa

Postato marzo 22, 2010 alle 3:23 PM

Ogni volta che si ricordano questi eventi della Storia dell’Uomo mi tornano alla mente alcune parole scritte da un ragazzo ebreo fatto prigioniero nei campi di sterminio, rivolgendosi alla madre :
anche se il mare fosse d’inchiostro ed il cielo di carta non basterebbero a descrivere l’angoscia ed il dolore che sto provando…….

1. Laformiotodidac

Postato gennaio 27, 2010 alle 8:30 PM

Ricci :

I ricci/
Del giorno/
Cadute a vostro piedi/
Carezzano/
Le notti/
Delle nostre memorie bruciate./

Auschwitz 3 settembre 1941, Polonia.
Di Anick Roschi

• Francesca

Postato gennaio 27, 2010 alle 7:48 PM

la guerra e stata terribile io ho sentito le storie di Luigi Bozzato e sono terribili perfino lui piangeva a forza di parlare di quella ssua bruttissima esperienza nei campi di concentramento. ora luigi bozzato e morto a Ponte Longo il luogo in cui abitava e è morto l anno scorso 2009 . mi dispiace per tutto questo e anche luigi e spero che non si ripeta mai più questa guerra. bruttissima e stata … ciao

• Nemo profeta

Postato gennaio 27, 2010 alle 3:42 PM

Cerchiamo di non dimenticare:
Il genocidio del popolo Palestinese ad opera dei Nazi-Israeliani;
I milioni di anticomunisti massacrati dall’Unione Sovietica;
I 70 milioni di europei morti nella seconda guerra mondiale;
I cittadini di Dresda bruciati vivi dalle bombe al fosforo;
I milioni di Giapponesi arsi dalle radiazioni atomiche;
Lo sterminio dei Kurdi;
I bambini Iracheni e Afghani vittime innocenti delle guerre democratiche;
Le migliaia di Storici imprigionati nelle galere di tutta Europa, a causa della loro ricerca sulla verità Olocaustica.
Io non dimentico!

di Romano Maria Levante

da cultura.inabruzo.it, 26 gennaio 2009

Ci siamo recati alla mostra di Mario Sironi – come molti dei visitatori che hanno affollato l’inaugurazione la sera del 24 gennaio 2009 a Roma presso il Museo Venanzo Crocetti sulla via Cassia – nel ricordo dell’importante esposizione di quindici anni fa alla Galleria nazionale di arte moderna.

Avevamo negli occhi i grandi dipinti, ci erano rimasti impressi non solo la grandiosità ma anche la forza penetrativa e l’uso del colore, al quale era affidata la rappresentazione delle forme e del movimento; e poi la solitudine degli ambienti industriali, come l’incombente “Gazometro” con le ciminiere sotto un cielo opprimente, sorretti da una razionalità che ne marcava l’alienazione.

Abbiamo ritrovato tutto questo nelle parole di Renato Miracco, curatore della mostra, il quale ha sottolineato i caratteri della monumentalità e della socialità comunicativa di un artista che si rivolge alle masse per confrontarsi con loro al di là delle ideologie; in lui il pensiero, l’idea si fanno tratto, immagine, figura per poter comunicare e, in un certo senso, anche insegnare.

Ma volgendo gli occhi alle opere esposte nelle due pareti parallele si aveva un’immagine ben diversa. Dimensioni molto ridotte, un ripiegamento dell’artista su se stesso in una parete, una esteriorità pubblicitaria apparentemente scevra di veri contenuti nell’altra.

In parte il mistero è stato chiarito dalle parole successive di Miracco e poi di Sonia Costantini, che ha collaborato all’organizzazione della mostra, allorché ne è emersa la peculiarità: forse un limite per coloro che non conoscono l’artista, certamente un pregio per coloro che ora ne possono scoprire aspetti reconditi; gli uni e gli altri portati a rivedere le opere monumentali per confrontare con esse quanto appreso nell’inaugurazione ma soprattutto per leggerle o rileggerle alla luce di quanto acquisito dalla visione delle opere esposte. Anche perché la stessa forma espositiva ne ha facilitato l’interpretazione a chi non è critico d’arte ma semplice cronista o a chi è un normale visitatore.

I piccoli disegni della parete destra della sala sono all’insegna di un’introspezione che rivela la profondità dell’anima dell’artista. E fanno ricordare la sua vita che ha avuto momenti difficili, la depressione superata con la partecipazione al movimento Futurista da lui reinterpretato affidandosi più al colore che alla forma, l’adesione al movimento Novecento, che lo vide tra i fondatori, il contrasto profondo tra il suo senso di libertà e l’esaltazione celebrativa del regime fascista da lui vissuta rielaborando le figure del regime e alimentandosi alla fonte della civiltà italica per ricavarne realizzazioni moderne e innovative. Una vita di impegni nei movimenti e di contrasti, che fa capire quanto siano profondi i sentimenti di sofferenza percepibili alla base e nel cuore di quei disegni.

Tutto l’opposto le illustrazioni, anch’esse di piccola dimensione, che fronteggiano i disegni nella parete opposta: immagini di un futurismo che sembra tutto esteriore, in linea con la sua destinazione pubblicitaria che non vuole insegnare o trasmettere valori, bensì solo sorprendere. Ma dopo la prima impressione irrompe una sensazione diversa, indotta non dall’analisi critica delle immagini ma da quello che comunicano indipendentemente da valutazioni colte o solo erudite.

Così, in questi manifesti, dall’introspezione dei disegni si passa all’abbandono onirico, dall’interno dell’animo al volo planetario, con un senso di liberazione e insieme di libertà che prendono nell’intimo. E avviene il miracolo, le piccole dimensioni si aprono in spazi immensi, nei quali minuscole figure umane si confrontano con l’universo per immergersi in esso, come gli omini di Chagall su scala ben diversa; si sente la monumentalità che prescinde dal formato in quanto attiene a canoni ben superiori.

Torniamo ai disegni, li guardiamo con maggiore attenzione per capire meglio la profondità di un animo inquieto. Ci colpiscono le figure umane, il tratto pesante di matita, carboncino e inchiostro che ne marca i tratti psicologici in un’introversione spesso angosciosa: così “Testa futurista” del 1913, “Ritratto di donna”, “Donna con bambino”e “Studio di figura” della metà degli anni ’30 e, soprattutto, “Nudo” e “Testa” del 1940. Invece “Studio di figura per vetrata” e “’L’Atleta”, del 1932-33, trasmettono un’immagine di forza tranquilla, espressione però di stampo ideologico e non di matrice personale, ispirata dalla mistica di regime.

Vediamo poi le figure umane inserite nell’ambiente, come lo straordinario “Paesaggio con figure” del 1923-24, giustamente posto a copertina del bel catalogo, con l’uomo curvo o al lavoro schiacciato dalla realtà industriale; e lo “Studio per vetrata”, del 1932, anche qui nelle rappresentazioni congiunte del lavoro e della pausa sofferta, con la fatica di vivere in un ambiente opprimente; infine lo “Studio per composizione murale” del 1937-38. L’ambiente, e spesso il paesaggio, racchiude le condizioni del vivere umano, e quindi diventa specchio deformante della condizione esistenziale e della sua stessa anima.

Del paesaggio urbano e industriale qui non troviamo le grandi architetture, alle quali l’artista legò la sua pittura in quanto potevano aiutarlo a stabilire rapporti tra l’uomo e l’ambiente e consentirgli di intervenire, attraverso la modifica delle forme ambientali esteriori, sull’edificazione della persona nella sua profonda umanità. In una visione, per usare le parole di Miracco, “che accoglie ‘il tutto’ come ‘anima’, ‘atmosfera’, ‘natura’, ‘Genio Locii’ e dove l’impianto architettonico è chiamato a servire il risveglio della coscienza umana”.

Non troviamo le grandi architetture, dunque, ma riconosciamo le periferie nel loro squallore ordinato, di un ordine che appare un’intromissione dell’ideologia politica nella sfera dell’individuo e della società. Si respira un clima da pittura metafisica, però non classicheggiante ma vissuta, anzi sofferta. Ecco di nuovo l’alienazione anche senza le figure umane, di cui abbiamo sentito l’angoscia, in “Paesaggio umano con aereo e fabbrica” del 1923-24 e soprattutto nelle due “Periferia”: quella del 1914 dal clima rarefatto di volumi delineati da un tratto sottile di inchiostro, quella del 1926 invece con l’oppressione delle linee violente di una matita e un carboncino molto marcati.

Le due “Composizione metafisica” del 1917 e del 1922 portano la crisi esistenziale a livello di dissociazione, si potrebbe parlare di scomposizione, effetto distruttivo dell’alienazione.
A questo punto avvertiamo il bisogno di tornare ancora sull’altra parete, per uscire dal buio dell’angoscia personale e dall’alienazione delle periferie squallide e solitarie e immergerci negli immensi spazi che ci offrono le sue illustrazioni pubblicitarie, che ora sentiamo ancora di più come spazi di liberazione e di sogno, di vita vera.

E non fa nulla se in questi spazi ci si imbatte in aerei, automobili, scritte gigantesche di una grande marca di automobili, che sono gli oggetti immediati del messaggio, perché quello che ci trasmette è sempre e comunque un messaggio di libertà.

Irrompono su di noi i bozzetti per copertine e manifesti, diventano ali su cui lasciarsi trasportare in alto, lontani dall’angoscia esistenziale delle periferie urbane e industriali che ancora oggi incombe ed opprime. Ali e aerei colorati o senza colore non mancano, e neppure una cavalcata su una sorta di via lattea cosparsa di monete, un’eruzione di vulcano liberatoria, l’omino sovrastato ma non oppresso, tutt’altro, da una sorta di campana, cattedrali portate in spalla da una figura umana, evidentemente superomistica, infine una gigantesca nota musicale. Quanto basta per elevare l’animo in più spirabil aere. Anche se gli elmi dei soldati, il moschetto con vanga e piccone di “L’Italia imperiale”, il possente lavoratore con martello e l’intera gamma di veicoli del “Popolo d’Italia”, per finire con i sei impettiti suonatori di chiarine di “Gerarchia”, la Rivista politica diretta da Benito Mussolini, ci ricordano le opere per il regime, peraltro sempre concepite e realizzate con dignità formale e di contenuti pur nel loro intento laudatorio.

La visita alla mostra termina qui, ed è stato un viaggio suggestivo. La nostra visione di cronisti delle opere esposte giunge alle stesse conclusioni del critico, possiamo fare nostre le parole di Miracco che “vi è la definizione di un ‘dentro’ e un ‘fuori’, di un vicino e di un lontano… e noi percepiamo una ferita, una lacerazione che apre verso il ‘dentro’ e verso il ‘fuori’: la cicatrice è presente, visibile, anzi deve essere percepibile perché testimonia una volontà dell’artista di essere partecipe alla sua vita, alla sua sofferenza, alla sua volontà di scavare e, maieuticamente, portare alla luce”.

Per questo ci appare molto appropriato il riferimento fatto da Antonio Tancredi – Presidente della Banca di Teramo e della Fondazione Venanzo Crocetti, che ha organizzato la mostra e la terrà aperta fino al 2 marzo – al lontano incontro tra Sironi e Crocetti alla I Quadriennale di Roma: “Egli restò ammirato delle opere esposte dall’artista sardo e me ne parlava con grande rispetto” ha detto Tancredi. E ha ricordato anche che Sironi entrò in contrasto con il potente segretario del partito fascista e Ras di Cremona Farinacci, cosa che gli costò “la esclusione dalle successive biennali di Venezia e la perdita della titolarità della rubrica di critica d’arte su ‘Il Popolo d’Italia’”!

A parte quest’ultima non secondaria notazione, che pone in una luce diversa anche il suo rapporto con il fascismo, ci appare significativo, anzi confortante sotto il profilo umano, che l’incontro di allora tra due solitudini – ricordato da Tancredi – abbia visto ora i disegni e le illustrazioni di Sironi ospitati tra le monumentali sculture di Crocetti a chiusura del 2008 a Teramo presso la Banca organizzatrice e, ad apertura del 2009, a Roma tra quelle esposte permanentemente nel Museo dedicato al grande scultore abruzzese, autore di una delle porte della basilica di San Pietro.

Un altro merito, questo, degli organizzatori e di Romana Sironi, la nipote che ha messo a disposizione opere anche inedite, consentendo questa inattesa riscoperta di un artista che ha potuto ripetere il percorso di Crocetti, dall’Abruzzo alla Capitale, ospite del suo grande estimatore.

di Romano Maria Levante

cultura.inabruzzo.it, 21 gennaio 2009

La vicenda dell’“offerta indecente” per l’attaccante del Milan Kakà – 105 milioni di euro per la società; 15 milioni di euro netti all’anno per 5 anni più un “bonus” di 10 milioni di euro per il giocatore, cifre da raddoppiare al lordo delle imposte – è soltanto l’ultimo episodio, anche se il più eclatante, di una anomalia non più tollerabile.

Il suo finale strappalacrime, con la rinuncia di giocatore e società alla marea di petrodollari (petroeuro nella circostanza), già trasformato in favola edificante, non deve nasconderne i lati inquietanti.

E sorprende come un’organizzazione come quella calcistica nazionale e internazionale – che non solo impegna capitali molto ingenti ma alimenta la passione di sterminate masse di appassionati – abbia al suo interno una contraddizione così stridente.

Perché le offerte indecenti – al di là dell’offesa che arrecano a valori e principi sacrosanti per cui dovrebbero porre una vera e propria “questione morale” e suscitare la ribellione in primo luogo dei veri sportivi – contraddicono la radice stessa del “gioco più bello del mondo”, l’essenza della competizione ad armi pari.

Quella citata si potrebbe definire un’offerta “disneyana”, perché fa scendere in campo i “paperoni”, al di fuori di ogni logica economica e soprattutto di ogni spirito sportivo, ma non vogliamo offendere l’indimenticato personaggio dei famosi cartoons.

Anche perché non si tratta soltanto dello sceicco di Abu Dhabi, il cui staterello naviga, sì, su un mare di petrolio, ma con le “coste” straripanti di masse disperate, i cui leader le aizzano contro l’eroica nazione israeliana edificata dal lavoro e dai sacrifici dei reduci dalla Shoah, senza rivendicare con altrettanta veemenza la redistribuzione delle risorse petrolifere che questi “paperoni” dilapidano. Sarà la tutela americana, saranno forme autarchiche di garanzia e di copertura comprate con i petrodollari a consentirlo, ne viene una minaccia ai valori dello sport e anche della morale.

Ma non sono solo questi i “paperoni”, anzi sono gli ultimi arrivati. Ci sono stati prima gli oligarchi russi, ai quali Eltzin ha regalato, in una privatizzazione da operetta, fette dei giganti petroliferi dell’impero sovietico al momento della sua dissoluzione; anche loro hanno setacciato il mondo calcistico requisendo con disponibilità finanziarie illimitate i migliori giocatori concentrandoli nelle squadre prescelte come il sultano sceglieva la concubina preferita.

Gli uni e gli altri operano nella democratica Inghilterra, la terra puritana dell’Esercito della salvezza. Per le suffragette di quest’organizzazione sarebbe l’occasione di una crociata ben più giustificata delle campagne moralizzatrici da quattro soldi (è il caso di dirlo).

Anche l’Italia non scherza. I “paperoni” nostrani lucrano spesso su rendite di posizione protette dalla concorrenza operando – se vogliamo restare nella “capitale morale” dove vi sono gli esempi più eclatanti – vuoi nel monopolio di fatto della televisione commerciale vuoi in comparti petroliferi che accordi vantaggiosi isolano dalla competizione internazionale.

La loro maggiore dignità, se così si può dire, è che le offerte indecenti, peraltro più moderate di quella ricordata all’inizio, le fanno per la squadra del cuore, all’insegna di una tradizione, e di una passione sportiva, che li riscatta solo in parte nelle motivazioni, ma non negli effetti perversi. Solo in parte, perché così si distruggono le basi stesse della competizione: una doverosa, accettabile parità sostanziale delle posizioni di partenza che è il cuore dello sport.

E’ vero che ogni campionato inizia con le squadre allineate ai nastri a zero punti, poi vinca il migliore: tre punti la vittoria, un punto il pareggio e zero punti la sconfitta, e questo è uguale per tutte le squadre, metropolitane e provinciali, come uguali per tutti sono le regole del gioco e così è, o dovrebbe essere, per l’arbitraggio.

Ma l’uguaglianza finisce qui, ed è tutta apparente. Alla disparità abissale dei bacini di utenza che dava già vantaggi consistenti alle squadre metropolitane, con i grandi stadi e i cospicui incassi, si è aggiunta quella del merchandising, delle sponsorizzazioni sulle maglie, e soprattutto dei diritti televisivi da nababbi la cui iniquità patente solo recentemente è stata attenuata, e per un non imminente futuro.

A tutto questo si sono aggiunti i nostri “paperoni”, che come azionisti di riferimento immettono cospicue iniezioni di capitali nei bilanci delle società privilegiate per rastrellare i campioni e campioncini appena emergono dai vivai o dagli acquisti indovinati delle squadre provinciali. E’ una vera e propria razzia che si riproduce non solo nel mercato calcistico di inizio campionato ma nella tradizionale riapertura a metà campionato, altra distorsione antisportiva.

Mentre per un simulacro di parità, pur se molto parziale dati i fattori appena accennati, tali interventi di capitali esterni al bilancio societario in senso stretto dovrebbero essere assolutamente proibiti.

Soltanto dai bilanci societari dell’annata calcistica senza apporti privilegiati di nessuna natura, ovviamente neppure di azionisti “paperoni”, dovrebbero essere tratte le risorse per gli acquisti dei calciatori, e già le grandi squadre sarebbero avvantaggiate per quanto già detto.

Le inibizioni alla campagna acquisti operano nel caso di bilanci in rosso, ma solo se la società non ha un sultano “paperone” che l’ha scelta come favorita ed è lasciata a se stessa, come sarebbe doveroso per tutte.

Il calcio dovrebbe imparare dalla “formula uno” automobilistica, il che è tutto dire non essendo certo un modello di virtù e di continenza. Ma cerca di preservare l’interesse della competizione in tutti i modi, anche con meccanismi coercitivi e inibitori come i limiti all’uso dell’elettronica e di altri ritrovati quando un team se ne avvantaggia, gli pneumatici unificati per non dare vantaggi a chi “indovina” le mescole giuste, addirittura la proposta per ora rientrata del motore unico; e anche con i frequenti mutamenti delle regole per le qualificazioni, con i giri secchi o multipli, i serbatoi delle prove sigillati per la gara, l’impiego dello stesso motore in gare successive ed altro ancora.

Perché il calcio non cerca anch’esso di preservare lealtà e interesse delle competizioni evitando che si accrescano in modo iniquo e patologico le disparità per effetto dei meccanismi perversi che sono sotto gli occhi di tutti? e non si tratta solo della “sudditanza psicologica” arbitrale o di “calciopoli”, sono ben più profonde e radicate le intollerabili distorsioni sopra accennate.

La ragione di questa inerzia autolesionistica può trovarsi nel fatto che finora la passione dei tifosi ha dato l’illusione che tutto potesse perpetuarsi immutato, come avviene per i regimi nei quali alle stridenti ingiustizie che gridano vendetta agli occhi di Dio non si pone rimedio in quanto accrescono il potere dei dominanti privilegiati e comunque non portano al “redde rationem”.

Ma qualche segnale forte sta emergendo. E non si tratta della conclusione “patriottica” della vicenda dato che l’offerta indecente del “paperone” d’oltre confine è stata respinta dal “paperone” nostrano (e, va detto a suo merito, anche dal calciatore senza chiedere contropartite); anche perché l’encomiabile quanto inedita affermazione del primo momento, secondo cui i bilanci societari debbono reggersi da soli senza ricapitalizzazioni di comodo di azionisti opulenti, è stata presto dimenticata.

Il segnale forte è un fenomeno dinanzi agli occhi di tutti: gli stadi vuoti. E come le urne vuote – è recente l’assenza di metà degli elettori nelle elezioni regionali abruzzesi – sono un acuto segnale d’allarme per la “casta” dei politici al quale non possono restare indifferenti, così dinanzi agli stadi vuoti anche i “paperoni” ancora intenti a distorcere con i loro facili denari ogni lealtà e correttezza sportiva, dovranno cominciare a riflettere. Confortano anche le eccezioni costituite da squadre provinciali che pur nell’esemplare rigore amministrativo ottengono risultati sportivi eccellenti e rompono così lo strapotere antisportivo delle grandi.

E’ la rivincita dello sport autentico da incoraggiare introducendo regole ferree che impediscano i patti leonini delle ricapitalizzazioni di comodo del “paperone” di turno e rendano la competizione più leale, paritaria e quindi più avvincente. La “formula uno”, pur nel suo esibizionismo, ci dà l’esempio.

di Romano Maria Levante

 Un bel regalo di Natale del ministro dell’Economia Giulio Tremonti, e gliene diamo atto, con la stessa franchezza con cui lo abbiamo criticato per i tagli alla cultura e, più in generale, per i tagli “orizzontali”, peraltro in qualche caso giustificati dall’idiosincrasia di tutti a “tirare la cinghia”. Per cui ogni spesa diventa necessaria e indispensabile, anche per giornaletti dal contenuto ineffabile e dalla diffusione semiclandestina e non riuscendo a porre priorità, la “decimazione” diventa l’unico sistema risolutivo; anche se le eccezioni sarebbero doverose, come la Biblioteca Nazionale Centrale di Roma che con 1,6 milioni di euro di contributo annuo non può neppure acquistare i libri in uscita. La citazione delle immagini richiamo l’assidua promozione culturale del 2010, si vedrà il perché.

Per la Festa degli Innamorati il 14 febbraio

L’insensatezza dei contributi ai giornali più o meno “politici” o affini

Anche questa volta crediamo che la nostra voce sarà “fuori dal coro”, come quando abbiamo denunciato lo scandalo per la “lista della vergogna”, ripubblicando per tre volte su questa rivista l’elenco dei contributi milionari (in euro) a una pletora di giornali e giornaletti immeritevoli di tale manna. Le vacche magre dell’attuale crisi economica hanno fatto il miracolo, almeno per ora, la manna si è dimezzata con il taglio del 50 per cento imposto dal decreto “milleproroghe”. Ancora poco per rimediare allo scandalo, che richiederebbe l’azzeramento, ma sarebbe già qualcosa.

Parliamo al condizionale in quanto temiamo che, come avvenne lo scorso anno al varo definitivo della legge finanziaria, l’atto di coraggio del Ministro fu provvisorio o apparente, tipo “scherzi a parte”: la provvidenza – è il caso di chiamarla così anche se non è divina ma molto “umana” nel senso di Paolo Villaggio – venne ripristinata nelle circostanze che abbiamo raccontato a suo tempo, non certo commendevoli. Questo temiamo possa avvenire nella conversione in legge del decreto. E non ci stupiremmo se già qualcosa fosse cambiato, la bonaccia sopravvenuta alimenta ogni sospetto.

E’ in azione l’invadente intellighentia di sinistra che ben si sposa con certo avanguardismo di destra, l’una e l’altro profumatamente finanziati dallo Stato che invece ignora bellamente quanto attiene alla cultura. Quando si cita la Costituzione per giustificare, anzi considerare doverosi gli indegni finanziamenti a certa informazione politica o cooperativa, più o meno fantasma, non si considera che la carta fondante della Repubblica si limita a proclamare un diritto senza accollarsene gli oneri, come per ogni altro diritto di libertà: da quello di soggiorno e riunione (artt. 16 e 17) a quello di associazione e fede religiosa (artt. 18 e 19). Questo e non altro recita infatti l’articolo che viene citato per quanto riguarda l’informazione : “Tutti hanno diritto di manifestare liberamente il proprio pensiero con la parola, lo scritto e ogni altro mezzo di diffusione” (art. 21).

Per la Festa della Donna l’8 marzo

Ma non si parla mai dell’informazione culturale, neppure quando si condannano i tagli alla cultura; e spesso con le lacrime di coccodrillo di coloro che drenano immeritatamente risorse pubbliche e rivendicano addirittura di avere un “diritto soggettivo” ai contributi statali: è un’informazione che non ha alcun sostegno, a differenza di quella politica riccamente foraggiata sebbene i “rimborsi elettorali”, che vanno ai partiti contigui, siano ben superiori alle spese sostenute per le consultazioni popolari, quindi lascino ampi margini per alimentare la stampa politica vera. Anche l’informazione di varia umanità, dal “cavallo” al “motocross” riceve cospicui contributi statali.

L’informazione culturale è quella che, anche attraverso gli approfondimenti, dà contenuto a quanto proclama solennemente la Costituzione: “La Repubblica promuove lo sviluppo della cultura… tutela il paesaggio e il patrimonio storico e artistico della Nazione” (art. 9). Riconoscere un diritto è molto meno impegnativo di promuovere e tutelare; ebbene, mentre al mero diritto si dà un contenuto cogente in termini di sostegno per l’informazione politica e varia, si ignora la promozione e la tutela, sebbene sia ben più forte e impegnativa, che milita a favore dell’informazione culturale.

Per la Festa del Lavoro il 1° maggio

Lo scandalo dei contributi gonfiati per le tirature taroccate con rese abnormi

“Quotidiani di partito, il conto è salato”, si intitolava il servizio di Marco Gambaro il 3 luglio 2009 su “il Fatto Quotidiano”:“Per ogni copia venduta di un quotidiano politico, ce ne sono tra le sette e le nove che tornano indietro…. Sopravvivono solo grazie ai contributi pubblici. Che però dovrebbero incentivarli a trovare nuove forme di diffusione, più adatte alle loro caratteristiche. Come gli abbonamenti o i siti internet”.

L’articolo era illustrato da un “collage” bipartisan con le testate di l’Unità, Liberazione e Il Manifesto di sinistra, Secolo d’Italia, Il Foglio, La Padania di destra,in più Il Riformista e Avvenire, politico il primo, di ispirazione religioso il secondo, un vero campionario. E conteneva un’interessante considerazione: “Rivolgendosi prevalentemente a una categoria di addetti ai lavori quali i militanti e il ceto politico, esprimono una discussione endogena che poca relazione ha con il contesto informativo dei cittadini comuni”. Cosa che, da un lato li rende “estremamente deboli sotto il profilo diffusionale e pubblicitario”; dall’altro, aggiungiamo noi, ne riduce di molto l’efficacia per il pluralismo politico restando dei mondi chiusi in se stessi, delle monadi impenetrabili.

L’interesse si accresce dinanzi ai dati delle rese e delle copie vendute, dalla cui somma si ottiene la tiratura sulla quale sono stati commisurati tutti i contributi finora erogati, da ritenersi “in fraudem legis” intendendo lo spirito più che la lettera della norma. Seguiamo la ricostruzione di Gambaro: “Nel 2007, Il Manifesto e l’Unità hanno avuto livelli di resa, la differenza tra copie tirate e vendute in rapporto alle copie tirate, rispettivamente del 60 e del 73 per cento. Avvenire apparentemente restituisce meno copie, ma se si tolgono i 70 mila abbonamenti, la resa sale al 56 per cento. Per Liberazione e Secolo d’Italia (dati Fieg dai bilanci) le vendite risultano rispettivamente di 8 mila e 3 mila copie giornaliere, mentre le rese sono in ambedue i casi dell’87 per cento”.

Per la Festa di Primavera

Si precisa che “ le prime tre testate nazionali hanno una resa del 21,9 per cento”, il che comprova l’anomalia di rese così alte che non portano a ridurre la tiratura come sarebbe logico e giusto: “In altre parole – commenta il giornalista – per ogni copia venduta ai lettori di un quotidiano politico, ce ne sono tra le sette e le nove che tornano indietro”. Uno spreco indicibile per gonfiare in modo abnorme i contributi per cui al danno economico si aggiunge quello del consumo inutile di carta, quindi di alberi. Per questo, dato che nella grande maggioranza il numero dei lettori è così esiguo e la qualità del contenuto così scadente da non recare danno al pubblico la chiusura, se si devono mantenere giornalisti e poligrafici converrebbe pagarli per restare a casa o per fare altro, come fu per il Sulcis, oppure utilizzare gli ammortizzatori sociali essendo lavoratori uguali a tutti gli altri.

Il passaggio dalle tiratura taroccate ai contributi gonfiati è stato finora automatico e il divario rispetto alle vendite effettive dato dalle rese misura la vera e propria distrazione di fondi pubblici che avviene con il meccanismo perverso sopra descritto. Innanzitutto citiamo i “legittimati” a ricevere contributi: quotidiani organi di partito, quotidiani editi da cooperative di giornalisti e quotidiani editi da cooperative ed enti morali, prima bastava che ci fossero due parlamentari, poi si è passati al requisito di cooperative, ma sembra possano essere formate da azionisti non lavoratori, il che ripropone una mappa di abusi soltanto aggiornata. Lasciando da parte questo aspetto pur importante, ecco come conclude la ricognizione Gambaro: “ Se si escludono i due quotidiani con tirature maggiori, che nel 2006 hanno ricevuto oltre 13 milioni di euro, le altre testate ricevono mediamente da 46 centesimi a 1 euro per copia venduta, un livello pari al prezzo di copertina, e si arriva a oltre 2 euro per copia venduta per alcune testate con vendite particolarmente basse”.

Per la Settimana della Cultura

Lo scandalo in cifre e la prova in video dell’insostenibilità

Dalla tabella che documenta questo scandalo rileviamo che il record dell’assurdo è per Secolo d’Italia con 3,60 euro di contributo pubblico per copia venduta, seguito da Europa con 2,74 euro per copia, uno scandalo bipartisan al quale con valori meno vistosi concorrono Il Riformista e La Padania, 1,16 e 0.86 euro rispettivamente di contributo per copia venduta; Il Foglio con 0,70 e Il Manifesto e Liberazione seguono a ruota con una media di circa 0,50 euro per copia cadauno.

Considerando che il prezzo di un quotidiano nel 2006, anno della rilevazione, era universalmente di 1 euro – ora in qualche caso è di 1,20 – pensare che Secolo d’Italia ha ricevuto dallo Stato 3,60 euro per copia venduta ed Europa 2,74 euro fa inorridire; gli altri dati riportati fanno ugualmente rabbrividire, e non diciamo altro per carità di patria. Si tratta di giornali politici, cioè con una carica ideologica che li legittima, e un retroterra di militanti, oltre ai rimborsi elettorali ai loro partiti.

Si potrebbe pensare a questo punto che se è la politica a legittimare, i movimenti non rappresentati in parlamento, quindi esclusi dai rimborsi elettorali, dovrebbero essere sostenuti dal contributo pubblico per garantire l’espressione delle rispettive opinioni. Non è così, non possono avere la pretesa di essere “mantenuti” dallo Stato, come non lo può pretendere nessuna impresa e attività nonostante si proclami che “l’iniziativa economica privata è libera” (art. 41); né il lavoratore cui “la Repubblica riconosce il diritto al lavoro e promuove le condizioni che rendano effettivo questo diritto” (art. 4) e perfino “una retribuzione proporzionata alla qualità e quantità del suo lavoro e in ogni caso sufficiente ad assicurare a sé e alla famiglia un’esistenza libera dignitosa” (art. 36).

D’altra parte, lo stesso Fabio Fazio lo ha dimostrato, naturalmente senza volerlo, allorché nella trasmissione televisiva cult “Vieni via con me” ha letto lo sterminato elenco di movimenti politici o presunti tali, invocando platealmente una sedia per la stanchezza derivante dall’interminabile lettura. Lo ha fatto per motivi ben diversi da quelli per i quali lo citiamo – precisamente per mostrare l’impraticabilità del “diritto di replica” – ma lo ha fatto; e quanto dimostrato visivamente non può essere a senso unico, è la prova che è insostenibile la pretesa al mantenimento da parte della finanza pubblica dei giornali di opinione politica, pur se la Costituzione ne garantisce la libera espressione, come fa per gli individui e le associazioni, senza per questo doverli finanziare.

Analogo discorso va fatto per i giornali e giornaletti di “varia umanità”, dalle cronache locali ai contenuti più vari e improbabili; e anche quelli con una propria validità, che attiene ad esempio ai campi dell’economia o delle professioni, non si capisce perché gravino sulla finanza pubblica.

Per “Ottobre piovono libri”

Il ruolo dell’informazione per la cultura nella strategia di valorizzazione dei beni culturali

Diverso il discorso da fare sulla cultura, perché non ha un supporto di militanti come avviene per i movimenti politici, né delle professioni come avviene per altri, mentre ha bisogno di divulgazione per valorizzare beni ed attività che sono un patrimonio di grande valore civile ed economico per l’intera società. L’informazione culturale svolge un servizio dal quale lo Stato e i soggetti pubblici e privati anche imprenditoriali che operano nel campo della cultura hanno un ritorno considerevole.

Lo riconosce Mario Resca, direttore generale per la valorizzazione dei beni culturali, che di continuo sottolinea il valore decisivo della comunicazione ai fini della valorizzazione e mette in pratica questa sua convinzione impegnandosi direttamente nelle azioni conseguenti; nel contempo sottolinea il valore decisivo di tale valorizzazione per la crescita economica del paese, trattandosi di un campo nel quale l’Italia ha risorse straordinarie la cui messa a frutto a livello economico dipende dall’allargamento della visibilità data la crescente competizione nel turismo internazionale.

Resca cita al riguardo le molteplici iniziative attraverso le reti informatiche fino ai Bancomat, e quelle pubblicitarie, peraltro onerose, dagli spot ai cartelloni: tutti ricorderanno quelli sul Colosseo, il David e il Cenacolo portati via “se non li visiti”, ne abbiamo dato conto riproducendoli; come abbiamo fatto per le iniziative promozionali nelle ricorrenze di qualunque tipo: dalla Festa per gli Innamorati alla Festa della Donna, dalla Festa di Primavera alla Festa del Lavoro, dalla Settimana della cultura a Ottobre piovono libri, dalla Notte dei Musei alle “Domeniche in bianco” ei i “Primi martedì del mese”, e a quanto l’inventiva del direttore generale del Ministero per i Beni culturali ha proposto: sempre chiedendo all’informazione culturale di dare ampia divulgazione a tali attività promozionali vitali per il Paese. E’ stato fatto e daremo tra poco i risultati positivi anche economici.

Un “memento” è nelle immagini che illustrano questo servizio, tutte in apertura di ampi servizi su questa rivista; per molte iniziative abbiamo fatto il lancio anche nelle due riviste consorelle www.amalarte.com e www.archeorivista.it con servizi altrettanto ampi di contenuto diverso.

Le iniziative richiamate sono inquadrate nella strategia già accennata di Resca – su cui insistono in primis il ministro Bondi e il sottosegretario Giro – imperniata sulla diffusione della conoscenza del patrimonio culturale per il progresso civile oltre che per lo sviluppo economico del Paese.

Per “La Notte dei Musei”

L’apporto del giornalismo on line, informazione e approfondimento

I comunicati stampa del Ministero per i Beni e le Attività Culturali si sono moltiplicati per sottolineare la ripresa delle visite ai musei nell’ultimo anno, il 15 per cento di incremento dopo un trend in diminuzione nel quale le flessioni si accumulavano con relativa discesa del nostro paese nella graduatoria europea dell’attrattiva turistica; anche gli incassi in netto aumento, dell’8% circa.

Resca ha vinto la sfida ritenuta ardita soprattutto dai concessionari: con le giornate e i week end nonché le serate di apertura gratuita si è avuto un forte trascinamento, la promozione ha fatto aumentare anche i visitatori a pagamento, che sono tornati nei musei conosciuti per la gratuità.

L’ultimo comunicato sottolinea il grande successo nel giorno dell’Epifania 2011, il numero dei visitatori nei primi 30 siti statali è cresciuto del 51% e gli incassi del 37%: tra gli altri il Colosseo rispettivamente + 30 e +25%, le Terme di Caracalla + 52 e +58%, Castel Sant’Angelo + 56 e +41% per restare a Roma; a Pompei addirittura + 85 e + 72%, rispettivamente aumento di visitatori e incassi tra l’Epifania 2010 e quella 2009.

Sono siti da noi considerati con ampi servizi di approfondimento, al pari delle iniziative promozionali ricordate da Resca come base dei risultati ai quali siamo lieti di aver contribuito.

Infatti tutto questo è stato possibile con l’apporto del giornalismo culturale a stampa e su Internet, al quale, ripetiamo, il Ministero, e Resca in particolare, hanno dedicato notevole attenzione con sollecitazioni continue finora raccolte da una mobilitazione informativa senza precedenti; lo stesso potrà avvenire nel 2011, si è già detto che nel nuovo anno proseguirà l’intensa azione promozionale.

La passione per il giornalismo e per la cultura ha prodotto questo miracolo, nell’epoca del mercantilismo mercenario, al quale Roberto Saviano diede motivazioni che non solo non ci convinsero ma suscitarono in noi una reazione impulsiva; e lo scrivemmo contrapponendo alla venalità che veniva teorizzata mortificando il volontariato culturale, la “classe” di Benigni.

Indro Montanelli, che abbiamo evocato a suo tempo dopo un sogno rivelatore, con le sue parole “lo farei anche gratis” riferite al giornalismo, alimenta e motiva l’impegno disinteressato. Ma non si può far leva in modo indefinito e indeterminato sull’abnegazione e sullo spirito di missione culturale; quando questo non avviene per la passione politica sebbene non produca un ritorno comparabile per il Paese, in termini di progresso civile e di sviluppo economico e neppure per le altre forme più disparate e marginali di giornalismo pur esse sostenute e foraggiate a dismisura.

Per il terzo anello e gli ipogei del Colosseo accessibili al pubblico

Vogliamo dare conto in particolare delle nostre tre riviste on line consorelle – oltre a www. abruzzocultura.it , www.amalarte. com e www.archeorivista. it, i cui servizi sono ben posizionati su Google e Google News– nelle quali non ci siamo limitati all’informazione di massima, in qualche misura obbligata per riviste sulla materia, ma abbiamo dato conto dei dettagli e svolto una funzione di approfondimento in cui risiede, in definitiva, la sostanza della cultura. E tutto questo senza alcun contributo pubblico, e neppure privato, sempre con l’iniziativa e la generosità del titolare e con la milizia giornalistica e culturale assolutamente volontaria di redattori e collaboratori.

Le nostre riviste, che hanno dato sempre ampio risalto alle iniziative del Ministero, lo hanno fatto all’insegna di un volontariato culturale che stride rumorosamente con quanto avviene per l’informazione politica e di “varia umanità”; e per noi non si è trattato soltanto di informazione, ma anche e soprattutto di approfondimento, a largo raggio: dalle citate iniziative del Ministero alle mostre d’arte, in particolare quelle dalle quali viene un ritorno economico con gli incassi derivanti dall’afflusso di visitatori certamente accresciuto dalla divulgazione. Un approfondimento, sulle tre riviste citate, attraverso servizi tematici equivalenti a dei veri e propri saggi, agili e documentati, ma nei quali si adotta il linguaggio del pubblico, non quello dei critici buono solo per gli addetti ai lavori, come ormai viene raccomandato in ogni presentazione di mostre dalle autorità culturali..

Ebbene, lo ribadiamo e figura nel logo a margine “questa rivista non riceve denaro pubblico” – neppure un euro, perciò è cancellato – sebbene nella Costituzione ci sia l’impegno a promuovere la cultura, ben più cogente del riconoscimento del diritto all’espressione libera del pensiero cui si appellano la foraggiatissima informazione politica e non solo per difendere l’indifendibile.

Per la Villa dei Quintili accessibile al pubblico

La prima parte della lista dei contributi erogati nel 2009 e un appuntamento

Il tema sollevato degli abnormi contributi all’informazione politica rispetto alla totale assenza per l’informazione e l’approfondimento culturale va analizzato ancora, e lo faremo al più presto.

Intanto cominciamo a pubblicare la lista dei contributi erogati nell’ultimo anno disponibile: i dati sono del Dipartimento per l’Informazione e l’Editoria presso la Presidenza del Consiglio dei Ministri, ci si accede attraverso il portale del governo, sono erogazioni del 2009 riferite al 2008. E’ una visione sconcertante, però anche illuminante. Per noi non è una sorpresa, ne abbiamo pubblicato uno stralcio per ben tre volte, tuttavia rivedendola ancora, per di più aggiornata al 2009, abbiamo ugualmente avuto un sobbalzo: è stato l’anno della crisi e dei primi dolorosi tagli.

Non servono commenti, ciascuno potrà giudicare; anzi, cominciare a giudicare perchè è solo la prima parte, un assaggio. Il seguito ben più sostanzioso con i giornali di partito, prossimamente, alla conclusione del servizio, la cui lettura ci auguriamo venga stimolata dal quadro non proprio edificante di come si dilapidano le risorse pubbliche negate invece alla cultura. Per il seguito della storia diamo appuntamento ai lettori ricordando che i dati in milioni di euro, per una conversione immediata, sono miliardi raddoppiati con riferimento alle vecchie lire. Buona lettura e a presto.

CONTRIBUTI EROGATI ALLA STAMPA NEL 2009 (ANNO DI RIFERIMENTO 2008) Dati aggiornati al 7 maggio 2010

(I dati contengono: IMPRESA – TESTATA – IMPORTO IN EURO)

Contributi per quotidiani editi da cooperative di giornalisti (Art. 3 comma 2 legge 250/1990)

• AREA Agenzia Coop a r.l. A.R.E.A 1.012.255,52
• International Press Coop a r.l. Avanti (L’) 2.530.638,81
• Dossier Coop Inform. e P.R. a r. l Buongiorno Campania 1.090.019,89
• Grafic Edit. Coop Giornalisti a r.l. Cittadino oggi/ Corriere Nazionale 2.338.600,00
• Giornali Associati Coop Edit. a r.l. Corriere (di Forlì) 2.530.638.81
• 19 luglio Coop a r.l. Corriere giorno Puglia e Lucania 2.163.626,56
• Edilazio 92 scrl Corriere Laziale (Il) 1.904.503,29
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• Agenzia Grtv Soc. Coop Grtv Press 367.190,40
• Giornalisti e Poligrafici Ass. Coop a r.l Italia Sera 832.491,19
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• Stampa Democratica 95 scrl Metropolis 1.636.944,72
• Ediz. Giornali Quotidiani Coop a r.l. Nuova Gazzetta di Caserta 722.670,85
• Ed.le Giornalisti Associati srcl Nuovo Corriere Bari Sera 1.302.299,32
• Centro stampa regionale scarl Ore 12 478.253,83
• Progetto 3000 Comunicaz. Coop a r.l. Paese Nuovo 549.864,22
• Effe Coop Editoriale s.p.a. Provincia Quotidiano 2.530.638,81
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• Rinascita Soc. Coop a r.l. Rinascita 2.530.638,81
• I Romanisti Soc Coop Romanista 13.019,62
• Pagine Sannite Coop a r.l. Sannio Quotidiano (Il) 1.726.598,29
• Verità (La) Ed.le scarl Verità (La) 1.727.516,84
• Impegno Sociale Soc. Coop. Voce (La) 482.651,64
• Vidiemme Coop. Giornalistica a r.l. Voce di Mantova 1.440.667,78
• Coopress Coop. Giornalistica Voce Nuova (Regioni & Ragioni) 1.974.084,15

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• Editoriale Argo Cronaca Qui.it 3.745.345,44
• Editrice Europa Oggi srl Discussione (La) 2.530.638,81
• T & P Editori esl Domani (Il) 1.326.837,06
• Editoriale Bologna srl Domani (Il) (Il domani di Bologna) 1.585.525,48
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• Toscana Soc. di Edizioni spa Giornale Nuovo della Toscana 2.530.638,81
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• La Voce srl Editrice Voce di Romagna 2.530.638,81

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